Los dos directores más influyentes en la historia del cine

Considerados por muchos los dos grandes directores y maestros en la historia del cine, Francis Ford Coppola y Stanley Kubrick, los cuales renovaron esa forma de hacer el cine, formando parte de ese nuevo movimiento llamado Nuevo Hollywood, siendo pioneros en algunas técnicas cinematográficas, marcando un sello para las nuevas generaciones, y logrando tener películas consideradas como las mejores en la historia de cine, clásicos y cintas de culto (El Padrino 1972, Dracula 1992, Apocalypse Now 1979, Odisea en el Espacio 1968, La Naranja Mecánica 1971…) siendo alguna de esas cintas patrimonio cultural por su gran aporte al séptimo arte.





El mejor director en la historia del cine

Los Grandes Homenajes a uno de los máximos exponentes del Cine (Francis Ford Coppola)

enero 31, 2020zonadelujo_ibb8t3

Francis Ford Coppola director, guionista y productor de cine estadounidense.
Considerado uno de los mejores directores en la historia del cine, maestro del arte cinematográfico y uno de los renovadores del cine norteamericano en la década de los años setenta.

Para el año 2010 obtuvo el Premio Conmemorativo Irving G. Thalberg, en Hollywood, creado en 1937, para premiar a productores cuya trayectoria es sinónimo de excelencia en una disciplina artística como el cine, y del que ya fueron catalogados George Lucas, Steven Spielberg, Cecil B. DeMille, Alfred Hitchcock o Walt Disney.

Ya en el año 2015 recibiría el Premio Princesa de Asturias de las Artes, que es concedido aquellas personas que cuya labor en la cinemotagrafía, Arquitectura, Danza, Música, Pintura y demás expresiones artísticas han constituido un aporte relevante al patrimonio cultural de la humanidad.

Y este año estaría en la prestigiosa lista de galardonados al Premio Lumière 2019 en el próximo Festival Lumière de Lyon junto a Jane Fonda, Wong Kar-Wai, Martin Scorsese, Pedro Almodóvar, Clint Eastwood y Quentin Tarantino.

Logros inalcanzables que ha logrado este director en su carrera profesional obteniendo así 6 Premios Óscar en las siguientes categorías: Mejor película (El Padrino II 1974), Mejor Director (El Padrino II 1974), Mejor guion adaptado (El Padrino 1972), Mejor guion adaptado (El Padrino II 1974), Mejor guión original (Patton 1970) y premio y mención honorifica por parte de la Academia a su aporte cinematográfico en el año 2010.

De igual forma obtuvo dos Palmas de Oro de Cannes por el film La conversación 1974 y Apocalypse Now 1979, ubicandolo como uno de los pocos cineastas que ha ganado en dos ocasiones el máximo premio del festival de cine más importante del mundo.
Continuando con la Concha de Oro del Festival de San Sebastián, por Llueve sobre mi corazón 1969, entre otros muchos premios internacionales.

Pero lo que verdaderamente se destaca en este gran director fue la forma en que logró cambiar las expectativas de los grandes estudios cinematográficos, renovando la manera en que se narran historias, en que se retrata la violencia, el psicoanálisis de sus personajes, la fotografía, la música, y el montaje definiendo con ello la cultura americana.

Carrera artística en el cine Francis Ford Coppola

Francis Ford Coppola sus inicios y trayectoria profesional en el cine

enero 31, 2020zonadelujo_ibb8t3

Para conocer más acerca de ese sello distintivo que lo catapultó como uno de los grandes maestros del cine, debemos husmear en sus inicios y primeras etapas de formación.

Como bien se sabe los padres de este gran director estuvieron familiarizados con el arte siendo su padre, Carmine Coppola, un compositor y director de orquesta, mientras que su madre, Italia Pennino Coppola, se dedicaba a la actuación.
Algo que el gran joven llevaba en sus venas, y vendría a descubrir a los 9 años cuando sufrió una poliomielitis que lo obligó a guardar reposo durante largo tiempo, además de dejarle algunas secuelas físicas.

Lo que le conlleva a despertar una fascinación por las marionetas y jugar con soldaditos inventándose historias y personajes que grababa con un magnetófono y una cámara de cine casera de sus padres.

Impulsándolo a la edad de los 17 años a matricularse en el departamento de artes escénicas de la Universidad de Hofstra en el año de 1960 en donde descubriría el valor del trabajo con los actores, y en donde además participaría en la adaptación y dirección de algunas obras de teatro. Logrando así una licenciatura en teatro en dicha universidad.

Luego ingresaría a la Universidad de California Los Angeles (UCLA), destacandose en la escritura de guiones; lo que lo llevó a ser acreedor del Premio Samuel Goldwyn por un guión titulado “Pilma Pilma”.
Es así que se inicia en el aprendizaje de las diferentes etapas de elaboración de una película. Realizando algunos cortometrajes eróticos (entre los que destaca The Pepper, en 1961).

Y durante ese transcurso conocería a quien fuese su luz en ese momento e iniciaría a trabajar para Roger Corman, el llamado “Papa del Cine Pop” e independiente, realizador de infinidad de cintas de terror de bajo presupuesto.

Fruto de esa colaboración y ya con 23 años Ford Coppola aprendería a editar, supervisar diálogos y a destacar la importancia del sonido.

Desarrollando así una experiencia profesional más activa, creando así una buena amistad con Corman quien le ayudaría a financiar su primer film, Dementia 13 (1963), un festín de horror sangriento y desnudos que termino convirtiéndose en un clásico de culto de medianoche.

Tiempo después ganaría un concurso de guión en la Universidad de California, y presentaría su tesis con la cinta You’re a big boy en 1966, lo que le garantizó entrar fácilmente al sistema hollywoodense.

Donde le empezaron a llover contratos, comenzando con la Warner Bros que le ofreció la adaptación del musical de Broadway Finian’s rainbow (1968).
Al siguiente año se dedicaría a filmar y producir Llueve sobre mi corazón (1969), un guión escrito por él mismo, que le sirvió de trampolín para conocer a George Lucas y fundar con él su productora American Zoetrope.

Francis Ford Coppola referencias en el cine

Fuentes y referencias que sellaron su estilo cinematográfico

enero 31, 2020zonadelujo_ibb8t3

Toda esa experiencia y formación en el lenguaje cinematográfico le ayudo a cimentar sus largometrajes.
Pero fueron sus bases teatrales y su formación artística la que fueron moldeando su sello artístico.

Vemos de esta forma como el arte estuvo tan presente en su vida, donde la pasión por la escritura, siempre fuer un referente para él, en libros de grandes autores literarios (Jean Paul Sarte, André Gide, o Ernest Hemingway entre otros.

Referentes literarios marcados en su adolescencia al igual que los cuentos de los hermanos Grimm y Hans Christian Andersen que siempre estuvieron presentes.

Otra de sus grandes influencias y referente fue Josep Campbell, un teórico de la mitología, que esta detrás del mito del viaje del héroe, un cuento folclórico donde se describen las aventuras de un héroe que se ve obligado a salir del mundo ordinario para adentrarse en un mundo especial con reglas propias (metáfora al descenso del mundo de los muertos) del que regresa para renacer a la vida social mas fuerte, sabio y renovado.

El apasionante cine de Europa y Japón de los 50 estuvo tan presente en su formación con bases del film noir (Cine Negro) y los desplazamientos de cámara Akira Kurosawa quien fue pionero en esa técnica.

Inspirándose también en el cine de entretenimiento de Wyler, Hitchcock, Wilder, Vidor y muchos otros grandes. También con obras de Bergman, Fellini, Rossellini y Buñuel.

Así como en el cine de la nueva ola francesa, el neorrealismo italiano y los grandes clásicos del cine norteamericano.

También tuvo referentes del cine de terror de esa época donde realizon 3 largometrajes: Dementia-13, Bram Stoker’s Dracula y Twixt.
De donde rescato esas formas narrativas, el lenguaje audiovisual y la dirección de la fotografía en cada momento distinto.

Otras de sus grandes influencias estuvo marcada por Roger Corman, el gran caballero del cine barato, el velocista de la producción capaz de rodar películas en tiempos récord. Desarrollando esa capacidad para dirigir y realizar películas de bajo presupuesto, dentro del formato del denominado cine de Clase B.

Otra que estuvo bien marcada fue la fuerte influencia que ejercía el giallo, un género italiano de literatura y cine del siglo XX, el cual usualmente contenía dosis de: misterio, thriller psicológico, terror, y terror sobrenatural.

Finalizando con la influencia del concepto de American Gothic, una corriente literaria que tomo fuerza en el siglo XIX, la cual tiene elementos bien marcados como: los traumas de una guerra, las confrontaciones entre norte y sur, la esclavitud, los roles de género, el racismo y la violencia, arquetipos que tienen como principal impulsor a la figura de Mark Twain.



Ford Coppola sus películas

El llamado Movie Brats (Nuevo Hollywood) su última etapa de formación en el cine

enero 31, 2020zonadelujo_ibb8t3

Es de esta forma que comienza a desarrollarse un nuevo movimiento en el cine, protagonizado en parte por Francis Ford Coppola y George Lucas. El llamado Movie Brats o el Nuevo Hollywood, un término utilizado para describir la aparición de una nueva generación de directores educados en escuelas de cine y que han absorbido las técnicas creadas en Europa en la década de los 60.
Un movimiento que modernizó significativamente la producción de películas en Hollywood.

Apartir de allí llegaría la etapa más productiva para este director, donde le encargan el guión para la Película Patton, que relataba la historia de la carrera del General George S. Patton, uno de los líderes militares más importantes de la II Guerra Mundial.
Donde su originalidad para escribir y llevar a cabo la historia fue interesante estructurándola de una forma no lineal, centrandoce más en la personalidad de este general, que en la propia historia.
Obteniento para sorpresa de todos seis premios Oscar, incluido el de mejor guión original.

Fama que lo llevo a que la productora Paramount Pictures le propusiera al director Coppola con tan sólo 30 años de edad hacer la adaptación de El Padrino, el libro de Mario Puzo sobre la mafia italiana y la familia Corleone.

Al que desistió en el primer momento al no haber conectado con la novela, pero luego consideraría al ver las deudas que tenia con su productora Zoetrope, aceptando posteriormente la filmación el Padrino 1972.

Al extenderse la historia en el guión a 3 horas, se tuvo que estirar el presupuesto de 2.5 millones de dólares a 7 millones.
Cosa que funcionó y encanto al público, con buenas críticas de fuentes especializadas, y una afinidad grata con los espectadores. Rompiendo récords de taquilla, ganando Globos de Oro y 3 premios Óscar junto a 8 nominaciones en diferentes categorías.

Siendo hoy en día ub auténtico símbolo de lo mejor que dio de sí el cine en la década de los 70.

Largometraje que le dió ese gran reconocimiento en el cine y que además le ayudo a mejorar su aparato financiero para continuar con otra cinta titulada The conversation (1974), inspirada en la explícita e innovadora Blow-Up (1966) del italiano Michelangelo Antonioni. Basada en el escándalo Watergate que llevó a la renuncia del presidente Nixon.

En paralelo empezó a filmar la secuela del Padrino del año 1972, rebasándo el éxito de la primera, ganando 6 premios Óscar, de las cuales tres fueron para él, por su trabajo como director, guionista y director.

Lo que lo llevo a convertirse en un consentido de los cinéfilos y un renovador del cine.

Luego dejaría plasmado ese sello y peso en el séptimo arte mostrando su siguiente proyecto Apocalypse Now (1979), una historia sobre la Guerra de Vietnam, la que le costó pérdidas invaluables, ser una de las películas malditas de Hollywood por todos los problemas que hubo tras su rodaje, sus costos, su tiempo y hasta los dolores de cabeza para este director.

Que tras el esfuerzo debutó en Cannes y se llevó la Palma de Oro en 1979.
Y con este consagrado film convertido en culto terminaría la era dorada y se involucraría en una serie de proyectos fallidos: One from the heart (1982), la incomprendida The cotton club (1984) o su viajado corto con Michael Jackson, Captain EO (1986), por nombrar algunos.

Ni valdría en ese entonces la fusión con Martin Scorsese y Woody Allen en el disparejo tríptico New York stories (1989) para llegar asimilar obras como los clásicos que le dieron esa posición tan alta en el cine.

Todos estos problemas lo llevaron a incursionar en cintas de menor presupuesto pero igualmente aceptables como: La ley de la calle (1983), Rebeldes (1983) o Cotton Club (1984).

Hasta que llego nuevamente a salir del fango y dar en esta oportunidad con la tercera parte de El padrino (1990) con la que estuvo nominado a 7 premios Óscar y mejor película extranjera en un Festival de Cine.

Y dos años después al gran clásico de terror la visión personal del mito del vampiro en Drácula de Bram Stoker (1992) donde obtuvo 3 Premios Óscar en categorías diferentes a su trabajo.

Destacando en el film la grandiosidad y la auto-consciencia de una fiel adaptación del material de Bram Stoker, llevándola a titular “Drácula de Bram Stoker”, por su excelente historia para el cine de terror y suspenso.

Todo ello llevo a que la compañía de producciones, Zoetrope, se fuera debilitando económicamente.

Luego vendrían sus últimos filmes como: Jack (1996), Legítima defensa (1997) y Megalópolis (2002), el nuevo montaje del filme titulado Apocalypse Now Redux 2003, Youth Without Youth (2007) y Tetro 2007.

Ya como productor destacaríamos cintas como: Las vírgenes suicidas (1999) y la producción ejecutiva de Lost in Translation (2003), largometrajes ambos realizados por su hija Sofia Coppola, también notable cineasta.

Todo este largo proceso de formación y fascinación por el arte lo llevaría a forjar ese sello cinematográfico para sus filmografías.

Llegando a realizar 24 largometrajes como director, siendo 13 de ellas adaptaciones basadas en obras literarias.

Ford Coppola sello cinematográfico

El llamado Movie Brats (Nuevo Hollywood) su última etapa de formación en el cine

enero 31, 2020zonadelujo_ibb8t3

Lo importante para el radica en la estructura de un buen guión donde aborda temáticas de la búsqueda permanente, la reflexión sobre la rebeldía, el individuo y su vanidad, la soledad, la violencia, el amor y la voluntad humana de ese poder ser Dios.

En cuanto al lenguaje cinematográfico: los planos generales es una de sus especialidades, el uso en el montaje con referencias de grandes maestros europeos, el cuidado excepcional por la imagen, creando una metáfora visual, donde los tonos elegidos para cada proyecto van acorde a la temática, la ambientación de la época y la historia.

En el uso de la iluminación emplea las luces directas y sombras duras jugando con el contraste de ellas para agregarle efecto dramático a los personajes y sus expresiones.
La iluminación de fondo es tenue o poco iluminada, permitiendo centrar la atención en los personajes.
Todas con una estética resaltada en clásicos tan recordados como: el Padrino, Apocalypse Now o Dracula.

Para finalizar con el uso adecuado de la música para cada film, aportando dinamismo y tensión, en donde se destaca esa valorada elección del cineasta para sonorizar sus cintas.

Acudiendo algunas veces a grandes compositores como el caso del compositor italiano Nino Rota quien le compuso varias canciones como banda sonora del Padrino (responsable de la banda sonora de Romeo y Julieta entre otras).

Leave a Reply

Your email address will not be published.


*