Notas de interés y contenido vinculado al Cine

 Con lo que se ha llegado a establecer firmemente como uno de los directores de acción de Hollywood.
Añadiendo últimamente un título de acción a su carrera Undying Love, una historia de folclore chino sobre el reinado de vampiros, ambientado en el moderno Hong Kong como otra adptación de una novela gráfica.

Luego le seguiría el francés Émile Cohl, el cual realizaría los primeros cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca Fantasmagorie, de un minuto y veinte segundos de duración para el año 1908. Considerada la primera película pionera del cine de animación.

Es así que llega el primer largometraje de dibujos animados en la historia del cine, llamada el Apóstol 1917 una película escrita y dirigida por Federico Valle con dibujos en celuloides hechos por Quirino Cristiani. Una sátira política obre el entonces presidente argentino Hipólito Yrigoyen, que quería limpiar a Buenos Aires de la inmoralidad y la corrupción.  

Llegando a ser predecesora de grandes clásicos de Disney, donde harían su primer clásico de dibujos animados titulado Blanca Nieve y los 7 enanitos, que obtendría una nominación a Mejor banda sonora y una mención por méritos técnicos por el AMPAS. No siendo el único largometraje con menciones para esa época, encontrando de igual forma a Toy Story 1995 con una alusión por ser la primera película de larga duración creada completamente por computadora. 
Lo que conduciría a La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas crear el Óscar a Mejor película animada para el 2001 al considerar que premiar un caricatura era solo un detalle técnico y no una verdadera obra cinematográfica.

Ya en el 2002 llegaría el primer premio Óscar en esta categroría de mejor película animada para Shrek. Aparecerían así más productoras de cine de animación teniendo un record de más largometrajes animados la compañía Walt Disney que en diez de los últimos once años ganó la categoría a mejor película animada.
Pero sin dejar atrás grandes estudios de animación como: Pixar Animation Studios (Cars, Ratatouille, Walle, Up, Toy Story 3, Brave, Monster University...), Warner Bros (Cigueñas, Lego la películam, Happy Feet...), Universal Animation Studios (Gru mi villano favorito y los Minions), Dreamworks Animation (Shrek 2, Madagascar, Antz, Espantatiburones, Kung Fu Panda, Baby Boss...), Blue Sky Studios (La era de hielo, Rio, Anoopy), y Paramount Animation (Rango y Bob Esponja).

Luego llegaría las dos películas consideradas como las mejores de animación en la historia del cine, el Rey León (Dibujos animados) y El viaje de Chihiro (por el lado de las historietas y manga).

El Rey León estrenada en 1994 logrando alzarse con dos premios Oscar, el de Mejor Banda Sonora y Mejor Canción Original con 'El ciclo de la vida'.
Con un gran guión original con referencias a Hamlet, la obra clásica de Shakespeare; donde un hermano molesto asesina a su hermano por poder y la venganza del legítimo heredero, en este caso Simba.
Donde se nos presenta una alegoría de la vida. Una metáfora de los seres humanos, a modo de reflexión, lucha, perdón y sacrificio.

Por otro lado estaría El viaje de Chihiro 2001 siendo la primera y única película de animación japonesa en ganarse este premio, y de igual manera la primera y única película de animación extranjera (de habla no inglesa) en ganarse un Premio Óscar usando la técnica de animación tradicional. 

Una historia que a modo de reflexión toca temas tan importantes como pensando el amor, el respeto, la amistad, la bondad, el ser bueno y honorable todo el tiempo. Un viaje espiritual que atraviesa Chichiro, donde los villanos también aprenden a redimirse y ser mejores. Todo ello la lleva a convertirce en un referente de las demás productoras de cine de animación mas conocidas.

Para finalizar llegaríamos con 2 películas con grandes menciones pero en términos monetarios, una por ser la más costosa en la historia del cine de animación (Enredados 2010) y la otra por ser la más taquillera en el cine animado (Remake del Rey León 2019).

Tangled 2010 realizada por los mismos estudios de Disney fue una versión adaptada del cuento de hadas de Rapunzel, donde el costo de su producción se elevo debido a la mezcla en el diseño antiguo del dibujo realizado a mano con la técnica del CGI.
Donde su costo de realización fue de 260 millones de dólares, logrando recaudar 592 millones.

Y por otro lado el Rey León 2019 que con su tecnología de animación Deepfake logró rescatar esa bonita historia de dibujos animados de 1992, logrando un éxito rotundo en pantalla superando en taquilla a Frozen 2010 que llevaba el liderato, consiguiendo así la suma de 1.335 millones de dólares de recaudación en todo el mundo. Siendo considerada la película más taquillera del cine animado.

Siendo con ello uno de los más enigmáticos del cine postmoderno. Creando el arte experimental más rupturista y bizarro con dos grandes influencias en su producción: el surrealismo y el expresionismo alemán.

En cuanto al surrealismo maneja muy bien la concepción de la realidad, el análisis del pensamiento, lo onírico, haciendo que el espectador empiece a expandir esa conciencia, es decir, hacer consciente lo inconsciente.

Llegando a complementar esos tres elementos que no son fáciles de reunir en un solo cineasta: la facilidad para contar historias difíciles, la sonorización que complemente a la perfección esas narrativas y las propuestas estéticas que se complementen como un trinomio perfecto.

Finalizando con sus grandes largometrajes algunos convertidos en culto que valdría la pena mencionar: Mulholland Drive (2001), Terciopelo azul (1986), Cabeza Borradora (1977), Carretera Perdida (1997),Twin Peaks 1990, Lady Blue Shanghai (2010), Sinfonía Industrial No. 1 (1990), y El hombre elefante (1980) entre los más bizarros.

A partir de aquellas cintas con mensajes reflexivos y de aprendizaje, llegarían aquellos que le darían un toque más cómico, dramático y sociológico aprovechándose de las reacciones divertidas y alucinantes que estas hojas como protagonistas causaban en los que la consumían.

Llega entonces ese dúo humorístico conformado por Richard "Cheech" Marin y Tommy "Chong". 
Quienes comenzaron como comediantes de clubs en los 70's para luego grabar álbumes con rutinas humorísticas habladas. Finalizando con una gran carrera cinematográfica como dúo llegando a realizar 10 películas.

Siendo pioneros de la Comedia Stoner en donde se burlaban del establecimiento, apropiándose de sus papeles como hippies, grabando sus historias de fumados saltándose las normas, que donde hubiesen sido pillados hasta presos hubieran podido estar.

Un subgénero de la comedia en donde este par de fumados Cheech y Chong exponian las drogas como recreativas en la época, dejando ver en sus escenas situaciones cotidianas que ambos compartían en modo de comedia.

llegaría así su primer filme Up in Smoke 1978, considerado el mejor de este subgénero el cual para su época fue un éxito de taquilla y recaudó más de 100 millones de dólares.

Nos habla de la aventura de dos drogadictos  que por equivocación conducen desde Tijuana en una camioneta fabricada con marihuana y son perseguidos por un detective antinarcóticos. Llevando a situaciones descabelladas y muy cómicas.

Con lo que Up in Smoke 1978 se catalogó como la referencia para las demás cintas cannabicas en el cine encontrando posteriormente largometraje: Medio flipado, How High 2001 o Dos colgaos muy fumaos 2004, Pineapple Express , Friday , Half-Baked , las series Harold y Kumar y demás.

Obtuvo un premio Oscar en la categoría de Mejor vestuario (Blanco & Negro). Con 6 nominaciones en: Mejor Director (Billy Wilder), Mejor Actor (Jack Lemmon), Mejor Guión Adaptado (Billy Wilder junto con I.A.L. Diamond), Mejor Fotografía en blanco y negro (Charles Lang), Mejor Dirección Artística en blanco y negro (Ted Haworth y Edward Boyle). Y un Globo de Oro (1959) como Mejor película de Comedia.

Este film fue un homenaje a los primeros años del cine, a las películas de gánsteres de Hollywood y a las comedias locas de los años cuarenta. Retomando esas tradiciones combinadas con elementos del slapsticks, comedias agitadas de los hermanos Marx, la tradición del screwball comedy (comedia loca), y el travestismo apoyándose en una máscara de confusión de identidades sexuales.

En cuanto al libreto nos habla de dos músicos que huyen de Chicago tras ser testigos de la matanza del día de San Valentín (14 de febrero de 1929) y que por ello acaban en la orquesta de Sweet Sue y sus chicas sincopadas, como estrategia para no ser descubierto por la mafia, aconteciendo situaciones muy cómicas y divertidas.

Es punto de partida de la historia hace alusión a una escena real recordada en el mundo de la mafia la matanza de San Valentín ocurrida en Chicago el 14 de Febrero de 1929, a manos del famoso gánster Al capone y dirigida contra la banda rival de Bugs Moran. En donde los gánsters asesinos llegaron a un almacén disfrazados de policías, por lo que los delincuentes de Moran no ofrecieron resistencia, se les colocó mirando a la pared del local y fueron ametrallados a sangre fría, lo curioso del caso es que el jefe Moran quedo vivo tras de llegar tarde a la cita y al ver a los policías se escondió en una cafetería cercana.

Todas esas referencias y el toque musical de la banda sonora de Adolph Deutsch donde se puede apreciar una serie de populares canciones como: Sugar blues, Sweet Georgia Brown, y una de las canciones más sexis de la historia del cine, “I wanna be loved by you” interpretada por la famosísima actriz Marilyn Monroe quien nos regala su mejor papel protagónico.

Así como la pareja de actores Tony Curtis y Jack Lemmon, quienes fueron capaces de mantener dignamente la cinta, haciendo grande esta comedia, donde emplearon frases y gags, que a lo largo de los años han sido tantas veces parodiados formando parte de la historia del cine.

Dejando una idea clara por trasmitir en modo de parodia a la mafia de la época, además de ironizar con otros temas sociales, como la situación de la economía y la bolsa en el país.

Para finalizar así con la mítica frase que ya ha pasado a la eternidad: “Nadie es perfecto”. El Fin.

Que nos traslada a la universidad privada de Estados Unidos "el Faber College" que la hace diferente a las demás al ser especialmente clasista. Dividida internamente por dos fraternidades la casa Omega compuesta por estudiantes élites y estirados, y los de la Casa Delta que serían todo lo contrario.

Comedia juvenil americana que para su época fue muy taquillera y continuó así por años: al tocar nuevas temáticas juveniles: sexo, drogas, alcohol y rumbas desenfrenadas todas con un toque de humor y comedia para alivianar los clichés de esa época moralista.

Todas esa comedia gamberra logró darle espacio a la cinta que lograría despegar el género definitivamente, entra así en el escenario la película Porky's 1981 con un contenido de comedia hiper-hormonada con una ambientación cuidada, personajes encantadores y un empleo del sexo jovial, divertido y nada agresivo.

Convirtiéndose en una especie de fenómeno humorístico que vieron en su momento los adolescentes de los 80. Desatando una fiebre ochentera por las películas para adolescentes con un considerable componente erótico. 

Siendo considerada como un boom en su momento con una clave esencial en contenido erótico y juergas universitarias con dosis de humor. Pues para aquel momento el acceso a este tipo de contenidos era difícil de hallar pues la internet no estaba a la mano de todos como ahora, y recurrir a este tipo de cintas VHS era más fácil.

Todo este fenómeno llevaría a que se forjase todo este boom como la comedia americana que 
que tuvo muchas vertientes en los años 80 y en los 90's marcar a esta nueva ola con películas como American Pie (Paul, Chris Weitz, 1999) donde esa nueva generación descubre los placeres de los chistes de instituto y las referencias múltiples al sexo.

Siendo esta última película American Pie la que definiría el subgénero completo de la comedia llamándola La Nueva Comedia Americana que hoy por hoy sigue vigente.

Donde las tramas nos muestran adultos inmaduros, que se niegan a crecer, el ancestral complejo de Peter Pan, perdedores, tiernos, conmovedores, patéticos y resignados ante la pérdida de coraje. Los chicos populares que ligan sin ningún problema, las juergas universitarias con sus fraternidades y competiciones por liderar en las fiestas, e historias enfocadas solo en rumbas, dj's y demás temáticas sobre grandes eventos de este tipo.

Encontrando cintas del tipo: Hangover, Project X, Neighbors y una cantidad de películas de este estilo Cool Comedy 2019.

Las cuales iniciaron a parodiar o burlarsen de de géneros como el western, el terror o la ciencia ficción, filmes que necesitaban de una inmersión total del espectador, y que por tanto fueron blancos fáciles de la sátira y la parodia por tratarse de realidades alejadas del día a día.

Llegando luego a dar con una oleada de Spoof Movies tan conocidas como: Austin Powers, Dos Tontos muy Tontos, Scary Movie, Y donde esta el policía, y demás.

De allí suceden una serie de eventos muy graciosos con gags presentes en la cinta que hacen de este cinta de culto una de las más divertidas.

Guión que no fue muy bien aceptado por algunos sectores moralistas al ser considerada una cinta blasfema para el año de 1979 y siendo prohibida en Irlanda, Noruega y partes de Gran Bretaña. Y En los Estados Unidos, los manifestantes se reunieron afuera de los cines donde se emitió en modo de protesta para que la dejaran de proyectar. No por ello dejo de ser un éxito de taquilla, logrando la cuarta mayor recaudación de cualquier película en el Reino Unido en 1979.

Historia que nos habla de amor y abnegación vivida entre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, todo un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy.

En donde el eje principal gira alrededor de un triangulo amoroso que desborda una pasión tan intensa que casi puede tocarse a través de la pantalla.

En donde Victor (Paul Henreid) ama tanto a Ilsa (Ingrid Bergman) que está dispuesto a arriesgar su vida para salvarla. Mientras que Ilsa está dispuesta a arriesgar la suya por el hombre al que más ama, Rick (Humphrey Bogart).
Para finalizar con Rick quién ama tanto a Ilsaque haría lo que fuera para tenerla a su lado, pero en lugar de eso la empuja a irse con Victor porque sabe que, sin ella, el líder de la resistencia checa no será capaz de continuar su lucha clandestina contra la Alemania nazi.

Todos estos elementos en una época con un contexto romántico, en donde brillan las escenas de Bergman Y Bogart, la primera con una estética que aprovecha el estereotipo de mujer hermosa de ese momento, mientras que por el lado de Bogart se mantienen en Rick los valores de masculinidad también recurrentes en el romance.

Apoyados de un tema icono en el cine clásico titulado "As time goes by" la canción que mitificó esta cinta. Que nos resume que el amor es lo único que importa, lo único que queda, lo que pervive eternamente en el tiempo.

Ganó el Memoria de Irving Thalberg otorgado por la Academia en 1967 a su prodigiosa carrera.
En 1979 obtendría el Premio AFI a su trayectoria cinematográfica. Y honrado como Caballero de la Orden del Imperio Británico, convirtiéndose en Sir Alfred Hitchcock.

Para conocer muy bien de su sello cinematográfico habría que devolvernos años atrás para comprender muy bien su trayectoria hasta llegar a convertirse en el padre del suspenso.

La infancia de Alfred fue algo difícil, ya que fue criado en una Inglaterra que vivía los inicios de 1900, sumándole a ello una rigurosa educación católica.

Lo que desarrollaría en él una personalidad tímida y reservada, la cual lo acompañaría el resto de su vida. A pesar de la época hubo también cosas que le favorecieron al estar el expresionismo alemán en pleno florecimiento, su juventud estuvo rodeada de buenas fuentes culturales, convirtiéndose en un fuerte seguidor de autores como el escritor y novelista Charles Dickens (Oliver Twist y una canción de navidad) y Edgar Allan Poe conocido por sus narraciones de terror, horror romántico y el relato policial. Y tomando grandes influencias del expresionismo alemán (1915 a 1926) en el cine. Una corriente que reflejo la pérdida que tuvo Alemania en la primera guerra mundial, y así mismo, represento la angustia existencial que experimentó la sociedad alemana en el arte: la pintura, la literatura, escultura, y el cine para esta mención.

Dotando el cine alemán de características tan intrínsecas del film noir: el uso de luz y sombras, los ángulos extravagantes, decorados irreales y cercanos a la pesadilla. Objetos con formas irregulares: chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función propiamente dramática y psicológica.

Paisajes artificiales, callejones, locaciones devastadas, edificios envejecidos, rodeado de nubes grises, con personajes vistiendo capas y sombreros de copas, con maquillajes tétrico, exagerados, con excesos de negros para lograr transmitir angustia.

Todo ello lo llevaría a despertar un gran interés por el cine y cuando puede acude a ver películas e ir al teatro. Y ya con 17 años inicia sus estudios en ingeniería, se vuelve aficionado a las revistas sobre cine y a las películas de Chaplin donde saca uno de sus espacios para verlas continuamente.

Para el año de 1915 comienza a trabajar en la Henley Telegraph and Cable Company como técnico, y luego sería trasladado al departamento de publicidad. En sus descansos asiste a clases nocturnas de arte para comenzar a dibujar y perfeccionar sus dotes artísticos.

A la edad de los 21 años, aquel curioso joven amante del cine leyó en una revista que una compañía cinematográfica estadounidense, llamada Famous Players Lasky, iba a instalar unos estudios en Londres.
Lo que vio como una oportunidad de demostrar su talento, presentándose allí con algunos bocetos de decoración para películas mudas que había diseñado, y con ese gran talento logrado para entonces logra ser contratado como diseñador de rótulos y decorados.

Para 1920 comienza a trabajar en dicha empresa haciendo múltiples tareas como: guionista, director de arte y ayudante de dirección entre otras. Toda esa experiencia en el cine mudo, le ayudaría a penetrar en los misterios de la imagen animada sin palabras, inventando su propio lenguaje luego para cada película. Aprendiendo de igual forma las claves de la realización cinematográfica en técnicas de montaje y dirección artística.

Finalmente comienza a trabajar como director, ya que los responsables del estudio le proponen rodar en 1922 la inacabada Number Thirteen.

Empezando a trazarse una de sus primeras lineas en el mundo del cine. Dirigiendo en compañía del actor, guionista y productor Seymour Hicks, el filme menor Siempre dile a tu esposa (Woman to woman) para el año 1923.

Ya para el año de 1927 se convertiría en uno de los directores más cotizados de Inglaterra con el rodamiento de su película The Ring, y posteriormente con la cinta 39 escalones 1935 considerada una de las mejores películas del cine británico, lo que lo llevo abrirse camino en la fama internacional y en el género thriller. Con todo ese éxito en en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, decide probar suerte en Estados Unidos, trasladándose a Hollywood en 1939, donde comenzó a grabar su primer filme norteamericano, Rebecca.

Luego llegarían sus grandes éxitos con Vértigo 1958 considerada una de las mejores película de la historia del cine, para terminar en 1960 con la que es considerada como su obra maestra: Psicosis.
Resaltando sus demás éxitos como: La ventana indiscreta 1954, Los Pájaros 1963, Family Plot 1976, La Soga 1948, La Sospecha 1941, La llamada Fatal 1954, Chantaje 1929, y El Inquilino 1927.

Un extenso largometraje que lo llevaron a ser el maestreo del géneros de suspenso, cintas marcadas con un estilo único llamado hitchcockniano que se distingue por:

- El uso de la cámara para imitar la mirada de una persona, empleando encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía.

Creo el termino de Mcguffin que se utiliza como el elemento del suspenso que hace que la película avance.
- Aquellos elementos, personas o eventos que interesan a los personajes, pero que no tienen mucha relevancia en la historia pero sirven como estrategia de distracción para justificar sus argumentos.

- El uso de deixis, anáforas y catáforas, figuras literaria e inclusión de personajes que no estaban integrados en el relato, pero que casi terminaban siendo tan reales como los demás personajes.

- Pionero en utilizar sonidos y música no solamente fondo ambiental sino como recurso para introducir un elemento emocional en una escena creando esa sensación de incertidumbre.

- Fue el precursor en utilizar el color como un lenguaje en sí mismo, estableciendo el tono emocional de una secuencia, principalmente.

- Sin haber vivido la era de los videojuegos asimilo el uso de la cámara como lo hacen hoy en los videojuegos, donde el jugador ve la acción en primera persona y a través de los ojos de su personaje. Buscando situar al espectador en la primera persona de la acción, siendo uno de los principales desarrolladores de las técnicas de cámara subjetiva.

- Otro rasgo común de su estilo fue darle al espectador un punto de vista privilegiado dentro la historia para aprovechar lo que se podría definir como el placer culpable de la mirada. Lo que se conoce hoy en día con el termino francés Voyeur, esa conducta de curiosidad prohibida, causando esa dosis de intriga de ver y no ser descubierto.

- El enfoque de psicoanálisis en sus cintas, en el caso del sentido de conciencia, donde nos permitió buscar esa manera de llegar a saber que era lo que estaba pensando ese individuo misterioso, donde se podía escuchar los pensamientos de él en una voz en off en tiempo real durante la acción de la escena.

- La introducción de objetos en la cinta como metonimia para proporcionar al espectador información sobre personajes y el relato.

- Salir de los parámetros convencionales del terror y el suspenso: en donde por ejemplo situaba el peligro en lugares abiertos, iluminados, en presencia de gente para darle más realismo sin llegar a ser tan predecible.

- Sus antagonistas podían ser los individuos más insospechados, muy a menudo personas de aspecto común e incluso distinguido.

- Otro rasgo la afición por las actrices rubias y esbeltas. Sinónimo de sensualidad y provocación, sin llegar a ser algo sexual.

- Sus fantásticas narraciones visuales en las que se combinaban el thriller psicológico, el humor negro, la crónica social y el escapismo sin sentido.

Finalizando con su estilo oscuro y enigmático, poseedor del secreto de los ritmos de la emoción y la sensibilidad humana, conocido como desde entonces como "el gran maestro del suspenso".